聳え立つ地平線

ありえないものを発見すること、それを写し撮ること、そしてきちんと見せること。

ラブストーリー

『モンローが死んだ日』最終回がとても残念だった件

鈴木京香と草刈正雄の素晴らしい演技が絶賛されまくっている『モンローが死んだ日』。
第3話のラストシーンにはビックリ仰天してしまい、最終回が楽しみでしょうがなかったんですが、残念な結果に終わってしまいました。


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夫に死なれ、猫と孤独に暮らす鈴木京香は淋しさから精神状態が不安定になり、精神科医・草刈正雄の診察を受け、彼に恋をする。しかし、彼は実はニセ医者だった、というのが第3話までの内容ですが、最終回では「なぜ彼はニセ医者を装ったのか」という説明ばかりで、納得はできるんですけど受け容れがたいものでした。


金のためにニセ医者をやっていた
草刈正雄にはモンローの物真似で一世を風靡した芸人の娘がいて、彼女は不幸にも子どもを亡くしたことから精神を病んでしまい、もともと総合病院で事務をしていた父親・草刈正雄は精神医学を独学で学ぶ。金銭的に行き詰まったとき、「お父さん、もう精神科医になれるよね」という娘の悪魔の囁きをきっかけに鈴木京香の住む小さな町の診療所にニセ医者として赴任する。

というのが草刈正雄の背景ですが、金のためにというのが決定的に面白くない。必要に迫られてしょうがなく、ということでしょう?

娘のために精神医学を勉強したとはいえ、もう開業してもいいぐらいの自信がある。精神科の患者は転移と呼ばれる現象で医師に恋をする傾向が強いから歳を食った俺でも行けるかも。娘の世話ばかりはもうごめんだ……という邪な動機のほうがよかったのではないか。

事あるごとにマリリン・モンローを引き合いに出して「彼と彼女は医師と患者を超えた関係だった」というのも転移を促すためだった。狙い通り美女と恋に落ちるが、彼女との逢瀬を優先するばかりに娘が自暴自棄になってしまい自殺する。彼は自分を責める。責めても娘は戻ってこない。だから姿を消す。「私はもうあなたに会ってはいけない」と自分を責める男と、彼をやさしく包む女のラストシーンであれば、涙と拍手でを迎えられたとのに、と。


娘の自殺
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『モンローが死んだ日』のモンローって佐津川愛美のことでしょ? やっぱり彼女の自殺が新聞記事で触れられるだけというのは致命的だと思う。第3話まで、主人公が知っている情報量と視聴者が知っている情報量を同じにしておくのは大事ですが、最終回は主人公の知らないところでいろんなことが起こってもよかったのではないでしょうか。ずっと鈴木京香に寄り添って語られるので、佐津川愛美の自殺が直截的に描かれず、草刈正雄がその事実に直面してどのような感情を表出させたのかが事後的にセリフで説明されるだけ。娘のためにニセ医者を装ったのに娘の自殺をどう受け止めているのかサラッと触れるだけというのにはイライラしました。

確かに、佐津川愛美が自殺して物語世界からすみやかに退場してくれたほうが鈴木京香とのドラマに決着をつけやすい。それはわかります。しかし、登場人物は生きた人間であり小道具ではないのだから、物が紛失したみたいに「死んだ」だけで済ませるのは、単純に登場人物と演じる役者さんに対して失礼だと思います。


『クレイジー・リッチ!』(少しも乗れない大ヒット映画)

アメリカで空前の大ヒットという話題の映画『クレイジー・リッチ!』を見てきたんですが、何でこんなのがヒットしてるの? と理解に苦しむ映画でした。

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まず、ファーストシーン。
なぜ1988年のロンドンから始まるのがわからない。ミシェル・ヨーが高級ホテルを買収するシーンがなぜ必要? しかもファーストシーンに。画像の二人が主役なのに。母親の若き日の買収劇なんか意味がない。

そして、すぐ現代のニューヨークになり、ポーカーでブタなのにブラフを仕掛けて勝ち、条件つき確率論のレポートを書くよう指示する主人公レイチェル・チュウが描かれます。なぜこんな登場のさせ方なのでしょう? 条件つき確率論というのが何か物語に関係するのかと思ったら何もなし。終盤、ミシェール・ヨーとの麻雀でそれが発揮されるのかと期待したんですがそれもなし。

この映画はあくまでも金持ちの御曹司ニックと恋仲になる女性レイチェルがその事実を知って戸惑う、という内容なのに、いくらレイチェルの職業がニューヨーク大学の教授だからといって、講義のシーンから始められても「え、何で?」と戸惑うばかり。

それからもっと大事なことは、彼氏が大金持ちの御曹司であることになぜレイチェルだけが気づかなかったのか、ということ。

やっとデートのシーンになったかと思ったら、すぐにまったく何の関係もない女の視点から二人が捉えられ、彼女が二人を写メに撮ってSNSに投稿。ネットでは誰もが「これニック・ヤンじゃない?」と話題になり、この女は誰だ!? となる。なのに恋人のレイチェルだけが彼の素姓を知らないなんてありえない。学友のペクですら「ニック・ヤン」という名前を聞いただけで「え、あの!?」と仰天するのに。レイチェルは貧しい家の生まれという設定ですが、いまは晴れてニューヨーク大学の教授という職を得た成功者なんだから彼女だけ知らないという設定はあまりに嘘くさい。

ニックは「君に金持ちだと知られたくなかった。ありのままの自分を見てほしかった」みたいなことを言いますが、その気持ちは理解できるにしても、あんな絵に描いたような大富豪の御曹司がジュース屋のポイント貯めたりしますかね? バスケはいつも古い体育館で、とも言ってたし。

貧しい家の娘が大富豪の御曹司と恋に落ちる。さまざまな妨害、誹謗中傷に遭うも最後は結ばれる。

という物語は新味はないものの幅広く支持を得られるものだから別にいいと思います。物語自体が常に斬新でなければいけないとは思いません。

しかしながら、物語を本当のことだと信じさせるにはそれなりの用意周到さが必要です。

この『クレイジー・リッチ!』は、物語の背景設定があまりにお粗末です。なぜ主人公だけが彼氏の素姓を知らなかったのか。そこに用意周到さがあれば信じることができる。

情報の提示の仕方にも疑問があります。
前述のとおり、主役二人のデート場面でニックが大金持ちの御曹司であることが観客にだけ提示されますが、これはあまりにもったいない。

主人公が「この人、ひょっとして実家が大金持ちなのでは……?」と疑問を抱くのと観客が同じ疑問を抱くタイミング、そしてその疑惑が事実だったことを主人公が知るのと観客が知るタイミングを同じにすべきです。でないと主人公に感情移入できません。

主人公がもっている情報量と観客がもっている情報量を同じにするか、いつどちらを大きくするかというのはとても大事なことですが、この映画の脚本家は何も考えていません。

だから、最初は誰が主人公なのかよくわからなかったのです。乗れなかったのはそういうわけです。




『女と男の観覧車』(もうヴィットリオ・ストラーロとは組まないほうがいいのでは?)

ウディ・アレンの新作『女と男の観覧車』。

冒頭のコニーアイランドで若い女が練り歩くシーンは明らかにダグラス・サーク『悲しみは空の彼方に』へのオマージュでしたね。
オマージュといえば、サークの50年代メロドラマを現代に蘇らせようとしているのがトッド・ヘインズ。2002年の『エデンより彼方に』がいまだに印象深いですが、そのトッド・ヘインズがマイケル・カーティスの『ミルドレット・ピアース/深夜の銃声』を連続ドラマとしてリメイクしたことはあまり知られていない。あの連ドラに主演したのがまさに『女と男の観覧車』のケイト・ウィンスレットでした。
この映画の舞台も50年代だし、ダグラス・サーク→トッド・ヘインズ→ケイト・ウィンスレットという感じでつながっているのですね。


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さて、そのケイト・ウィンスレットのややオーバーアクション気味の芝居が鼻につくこの映画では、前作からアレン組の一員となったヴィットリオ・ストラーロが撮影監督の任についています。巷間ではストラーロの光の捉え方が絶賛されているようですが、私はまったくいいと思いませんでした。

いや、いいと思ったショットもたくさんあったんですよ。

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↑こういうのとか。

↓こういうのも。

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暖色系のアンバーが基調となっているこの映画の良さを表すいいショットですね。

しかし……

初めてケイト・ウィンスレットとジャスティン・ティンバーレイクが愛を交わす場面で、ケイト・ウィンスレットの顔がアンバー一色になり、かと思うとサァーっと寒色系のブルー一色になったりするのがどうにも好きになれません。同じようなライティングが義理の娘ともめる最後のほうのシーンでもありましたが、とにかくダサい。原色に近いくらいの強いフィルターを使って暖色と寒色をまぜこぜにするというのが、何の意図があるのかわからないし、これ見よがしな感じがしてまったく好きになれない。
それに、ケイト・ウィンスレットが登場するシーンとラストシーンで、顔が飛んでしまうくらい強い光を当てていますが、あれもダサい。あんなのストラーロじゃなくても撮れるでしょう。

ヴィットリオ・ストラーロが撮影した映画で私のお気に入りは、

『ディック・トレイシー』
『シェルタリング・スカイ』
『地獄の黙示録』

あたりですが、『女と男の観覧車』のような何の意図も感じられないライティングはなかったですよね。『ディック・トレイシー』は原色たっぷりでしたが、あれは原作のマンガの色をそのまま表現しようという意図があった。でも『女と男の観覧車』には何の意図もありません。ただ「こういう画を撮りたい」という欲望しか感じられない。監督の要望通りに撮っただけでしょうが、しかし、アレンは何ゆえにあのようなダサい画を求めたのか。

私にとって、ウディ・アレン作品の撮影監督といえばカルロ・ディ・パルマです。アレンといえばカルロ・ディ・パルマといってもいいくらい。しかし調べてみると、カルロ・ディ・パルマと組んでいたのは『ハンナとその姉妹』(1986)から『地球は女で回ってる』(1997)までのほんの10年ちょっとだけなんですね。おそらくそこで病に倒れたのでしょう。2004年に亡くなるまで何も撮っていません。

アレンはその後、

スヴェン・ニクヴィスト
ダリウス・コンジ
ヴィルモス・ジグモンド
ハリス・サヴィデス

といった錚々たる名前と一緒に仕事をしていますが、カルロ・ディ・パルマほど相性の合う人とは巡り合えていないようです。

カルロ・ディ・パルマが撮っていた頃はほぼワンシーン・ワンカットでした。アレンは役者でもあるから芝居をとても大事にする。カルロ・ディ・パルマにはワンカットで撮る技術に長けていたからアレンは彼に頼りきりだったと推察します。
ただ、ワンカットで撮るためには美術監督がそのようなセットを組んでくれないといけない。アレンはずっとサント・ロカストという美術監督と組んでいますが、同じ人と組んでいるのになぜワンカットで撮れないセットにOK出したのか、まったくわかりません。

この『女と男の観覧車』はとにかくカットバックがものすごく多かったですよね。でも、イーストウッドみたいにカットバックを自家薬籠中のものにした監督とは違い、アレンは役者の芝居を細切れで見せる監督ではありません。だから編集の呼吸が悪い。イーストウッドならここぞというところでつなぐからため息が出るほど素晴らしいカットバックになるんですが、アレンにはそのような腕がないからどうにも見苦しい。

光や色に執拗にこだわるから役者への演技指導がおろそかになっている気がしました。私はケイト・ウィンスレットの大ファンですが、この映画のオーバーアクションには辟易させられました。単純に芝居が下手な女優にしか見えませんでした。

もうヴィットリオ・ストラーロとは組まないほうがいいと思います。


女と男の観覧車 (字幕版)
ケイト・ウィンスレット/ジャスティン・ティンバーレイク/ジュノー・テンプル/ジム・ベルーシ
2018-12-19


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