聳え立つ地平線

ありえないものを発見すること、それを写し撮ること、そしてきちんと見せること。

アメリカ映画

『クワイエット・プレイス』(足りないあの手この手)

登場人物と同様に息もできないほど恐くて面白いと評判の『クワイエット・プレイス』を見てきました。(以下ネタバレあります)


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「驚喜するもの」に関する疑問
『クリエイティヴ脚本術』という本では、最終的に問題を解決する小道具を「驚喜するもの」と表現しています。『ジョーズ』なら酸素ボンベ、『ガントレット』なら一発の銃弾ですね。

で、この『クワイエット・プレイス』では視力はないものの異常な聴力をもつ異星生物を殲滅する小道具が、主人公夫妻の聴覚障害の娘がもつ人工内耳。異常に不快指数の高い音で弱ったところをショットガンでズドン!と。で、その音でやってきた他のエイリアンたちをやっつけるべく、エミリー・ブラントが娘と目を合わせながらショットガンの新しい弾丸を装填するところで幕切れ。恰好いいといえば恰好いいけど、疑問が残ります。

世界中の軍が束になっても殲滅できなかったという設定ですが、いったい軍はどうやって戦ってたんでしょうか。聴力が異常に発達している。でも短所は長所の近くにあると普通に考えればわかるはずですが。え、これで終わり? んなアホな!? と思ってしまいました。


出産に関する疑問
予告編を見たときにゲゲッとなったのがエミリー・ブラントが妊娠してるってことなんですよね。絶対に物音を立ててはいけないところでどうやって出産するのか。自分が声を挙げなくても赤ちゃんは絶対泣くし、泣かなかったら死んじゃうし。

と思ったら実際の映画ではえらくあっさり処理してませんでした? というか、エミリー・ブラントも叫び声をあげるし、赤ん坊も結構泣いてるのに何で奴らは襲ってこないんでしょう?

それよりも、冒頭で「400何日目」って出るから、妊娠したのはエイリアン襲来のあとなんですよね。なら「産むべきか堕ろすべきか」という議論が夫婦の間でなされていたはずですが、それは野田高悟ふうに言えば「演じられなければならない場面」ですよね。仮に産むことで合意したとしても、お腹が大きくなってきたら夫が「やっぱり堕ろすべきだ」「いやよ!」みたいな芝居はあるのが普通だし、この映画はそこから逃げていると思います。


でも上記のようなことは些末なこと。もっと気になるのは以下の点。


可聴領域
人工内耳を使えば勝てると気づく直前、新聞記事か何かで「可聴領域」がどうのこうのという文字が出ますよね。私はそのとき初めてこの映画がものすごくもったいないことをしていると気づきました。

同じ地球生物でも、人間と犬や猫では可聴領域は異なります。犬は人間より長い周波数の音と短い手端数の音を聞き取ることができる。なのに異星生物は人間と同じ可聴領域という設定はもったいないでしょう。

奴らのほうが可聴領域が広いといくら何でも不利すぎますから、逆に人間のほうが可聴領域が広いという設定にすればよかったのではないでしょうか。可聴領域は広いけど平凡な聴力しかない人間と、可聴領域は狭いけど異常な聴力を備えたエイリアンとの死闘! ならもっといろんな手が使えたような気がします。

例えば、人間のソプラノぐらいの音が奴らには聞こえない。という設定にしてはどうだったでしょうか。
人間たちはとにかく高い音でしゃべります。女の人や子どもは得ですよね。普通に喋ればいいから。でもあのお父さんは声が裏返るほど高い声を出さないといけない。そんなことをしたらコメディになる? いやいや、この映画に足りないのはまさにコメディの要素だと思う。


笑いのシーンがない
別にお父さんが一生懸命高い声を出すとかでなくてもいいんです。家族とか気心の知れた仲間と一緒にいると何でもないことがえらく可笑しいことってありますよね。この映画では映画自体がシリアスだからなのかシリアスなシーンしかないのがこれまたもったいない。

何でもないことがきっかけでみんな笑いそうになるけど笑ったら殺される。だから必死にこらえる。こらえるとよけい可笑しいからよけい危険が迫る。というふうに、笑いと命の危険が隣り合わせという描写があるほうが映画が豊かになったと思います。

冒頭、おもちゃの飛行機を飛ばそうとした末っ子をたしなめて電池を抜き取りますよね。なのになぜかそのあと末っ子は飛行機を飛ばして奴らの餌食になってしまいますが、あれ、なぜああなったのか少しもわかりませんでした。あれだけ注意したのに? それなら思わず笑っちゃって餌食のほうが絶対よかった。


というわけで、「これはおかしいのでは?」と思うことよりも「もったいない!」と思うことのほうが多かったです。基本アイデアはいいのに観客を楽しませる「あの手この手」が足りないというのが正直な感想です。



『クレイジー・リッチ!』(少しも乗れない大ヒット映画)

アメリカで空前の大ヒットという話題の映画『クレイジー・リッチ!』を見てきたんですが、何でこんなのがヒットしてるの? と理解に苦しむ映画でした。

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まず、ファーストシーン。
1988年のロンドンから始まるのがわからない。ミシェル・ヨーが高級ホテルを買収するシーンがなぜ必要? しかもファーストシーンに。画像の二人が主役なのに。母親の若き日の買収劇なんか意味がない。

そして、すぐ現代のニューヨークになり、ポーカーでブタの役なのにブラフを仕掛けて勝ち、条件つき確率論のレポートを書くよう指示する主人公レイチェル・チュウが描かれます。なぜこんな登場のさせ方なのでしょう? 条件つき確率論というのが何か物語に関係するのかと思ったら何もなし。終盤、ミシェール・ヨーとの麻雀でそれが発揮されるのかと期待したんですがそれもなし。

この映画はあくまでも金持ちの御曹司ニックと恋仲になる女性レイチェルがその事実を知って戸惑う、という内容なのに、いくらレイチェルの職業がニューヨーク大学の教授だからといって、講義のシーンから始められても「え、何で?」と戸惑うばかり。

それからもっと大事なことは、彼氏が大金持ちの御曹司であることになぜレイチェルだけが気づかなかったのか、ということ。

やっとデートのシーンになったかと思ったら、すぐにまったく何の関係もない女の視点から二人が捉えられ、彼女が二人を写メに撮ってSNSに投稿。ネットでは誰もが「これニック・ヤンじゃない?」と話題になり、この女は誰だ!? となる。なのに恋人のレイチェルだけが彼の素姓を知らないなんてありえない。学友のペクですら「ニック・ヤン」という名前を聞いただけで「え、あの!?」と仰天するのに。レイチェルは貧しい家の生まれという設定ですが、いまは晴れてニューヨーク大学の教授という職を得た成功者なんだから彼女だけ知らないという設定はあまりに嘘くさい。

ニックは「君に金持ちだと知られたくなかった。ありのままの自分を見てほしかった」みたいなことを言いますが、その気持ちは理解できるにしても、あんな絵に描いたような大富豪の御曹司がジュース屋のポイント貯めたりしますかね? バスケはいつも古い体育館で、とも言ってたし。

貧しい家の娘が大富豪の御曹司と恋に落ちる。さまざまな妨害、誹謗中傷に遭うも最後は結ばれる。

という物語は新味はないものの幅広く支持を得られるものだから別にいいと思います。物語自体が常に斬新でなければいけないとは思いません。

しかし、物語を本当のことだと信じさせるにはそれなりの用意周到さが必要です。

この『クレイジー・リッチ!』は、物語の背景設定があまりにお粗末です。なぜ主人公だけが彼氏の素姓を知らなかったのか。そこに用意周到さがあれば信じることができる。

情報の提示の仕方にも疑問があります。
前述のとおり、主役二人のデート場面でニックが大金持ちの御曹司であることが観客にだけ提示されますが、これはあまりにもったいない。

主人公が「この人、ひょっとして実家が大金持ちなのでは……?」と疑問を抱くのと観客が同じ疑問を抱くタイミング、そしてその疑惑が事実だったことを主人公が知るのと観客が知るタイミングを同じにすべきです。でないと主人公に感情移入できません。

主人公がもっている情報量と観客がもっている情報量を同じにするか、いつどちらを大きくするかというのはとても大事なことですが、この映画の脚本家は何も考えていません。

だから、最初は誰が主人公なのかよくわからなかったのです。乗れなかったのはそういうわけです。



『ゼイリブ』(アメリカ映画を告発するアメリカ映画)

まだまだ来年のことらしいですが、神戸は元町映画館でジョン・カーペンターの名作『ゼイリブ』が上映されると知り、矢も楯もたまらず見てしまいました。




あまりに映画的なアイデア
「宇宙人の正体が見えるサングラス」というのは実に映画的なアイデアですよね。だって、おのずとこうなりますから。↓


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「見る者」と「見られる者」をカットバックする。いわゆる切り返しショットが多用されることになります。そして、この「見る/見られる」が「撃つ/撃たれる」に変奏されます。


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お見事ですね。ジョン・カーペンターはただこういうことがやりたいだけでこの映画を作ったのだろうかと最初は思ったほどです。しかしながらこの『ゼイリブ』は実に風刺に富んだ告発をやってのけた映画だと思います。

告発といっても劇中で描かれる大量消費社会とか、格差の拡大とかそういうことではありません。いや、それもあるんですけど、それはたぶん口実で、カーペンターは同じアメリカの映画人を告発していると思うのです。


異様に長い殴り合い
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この二人がこうなるまでに、6分もの殴り合いが行われます。「サングラスをかけろ」「かけない」という争いに6分も。全体が正味90分ほどなのに。なぜか。

おそらく「釣り合い」を取ろうとしたのでしょう。
最初に主人公がサングラスをかけるのって単なるご都合主義ですよね。何か金目のものかと思ったらただのサングラスでごみ箱に捨ててしまう。でも手にひとつだけ残ったサングラスを何の必要もないのにかける。あそこはサングラスをかけないと話が始まらないからあれでいいんですが、キース・デビッドが「かけろ」と言われてその通りにするようではあまりに都合がよすぎるし、何より「服従しろ」「何も考えるな」という宇宙人の洗脳にキース・デビッドまで毒されていることになってしまい、それこそ都合が悪い。そこであそこまで執拗な殴り合いが必要だったのだと思われます。

ただ、ここで大事なのは、それまでキース・デビッドは主役ロディ・パイパーにドヤ街を教えてやったり世話を焼く。でも完全に信頼関係になってるわけではないですよね。キース・デビッドは最初から大量消費社会やエリートばかりが優遇される社会に疑問を投げかけていますが、ロディ・パイパーは「もっと気楽に生きようや」というまさに宇宙人に洗脳された地球人の代表でした。

だからこの二人は、「地球人⇔宇宙人」という対立関係と同じく、切り返しの構図で捉えられます。2ショットもあるけど切り返しもある。特に「サングラスをかけろ」「かけない」のところはこれでもかといわんばかりのカットバックです。

それが長い殴り合いを経てロディ・パイパーの真意をキース・デビッドが理解したとき(↑画像のカット)からラストまで、この二人は一度も切り返しで捉えられることがありません。


ホリーという女
その殴り合いの前に、ロディ・パイパーはテレビ局勤めのホリーという女と出逢います。銃で脅して彼女の家まで行き、宇宙人の謀略を説きますが、当然彼女は信じません。それどころか一瞬のすきをついて彼を殴り、家の外へ突き落とします。

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最初はこのように2ショットで捉えられていた二人が、ロディ・パイパーが宇宙人がどうのこうのと言い出すところから切り返しになります。すべてを知った者と何も知らない者との対立の構図。

かと思いきや、宇宙人の侵略から地球を守るゲリラ組織にホリーがやってきて、テレビ局は何も心配ないから安心してと言います。何だ仲間だったのか、とロディ・パイパーは歩み寄り、「あたし、あたし……」と言葉を選んでいるホリーが「見る/見られる」としてカットバックされます。

キース・デビッドとは仲間になったら見つめあう場面も2ショットなのに、男と女は気持ちが通い合ってもカットバックなの? それって演出意図が一貫してないのでは?

と思っていると……


最後のカットバック
実は、地球人の中にすでに裏切り者がおり、ドヤ街で知り合った男ギルバードもそうだし、ホリーもそうだった。ギルバートは言います。

「寄らば大樹の陰っていうじゃないか。楽して大金が入るほうがいいだろ?」

まさに冒頭の主人公と同じです。「考えるな」という宇宙人の洗脳が見事に成功しています。ホリーも同じように洗脳されている。

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それが判明した瞬間、再び男と女は切り返しで捉えられ、カットバックによって「見る/見られる」の関係だった二人がまたしても「撃つ/撃たれる」の関係に変奏されて映画は幕を閉じます。

つまり、この『ゼイリブ』では、宇宙人の正体が見えるサングラスというアイデアを手掛かりに、対立する者同士を徹頭徹尾カットバックで見せるという演出手法が貫かれているわけです。


結局、カーペンターは何を言いたかったのか
ここからは私の推測です。何しろ画面に映ってないことばかりですから。

観客は上記のような映画監督の演出意図なんてまるで気にせずに見ますよね。

でも、だからといって何も考えずに撮っちゃっていいの? という同じ業界人に向けた異議申し立てなんじゃないか。

70年代の半ばからアメリカ映画は少しずつ魅力をなくしていきます。古典的ハリウッド映画の作法などまるでなかったかのような雑な作りの映画が横行する。カーペンターはそれに我慢ならななかったのでしょう。古典的ハリウッド映画に通暁した映画インテリですから。

人々が何も考えずに享楽をむさぼる時代を撃つように見せかけて、カーペンターはハリウッドを告発したのだと思います。いくら観客が気づかなくてもちゃんと演出意図をもって撮れ。もっと考えろ。適当に撮った映画で大儲けして恥ずかしくないのか。

『ゼイリブ』を発表した80年代末以降、90年代まではコンスタントに作品を発表していたカーペンターも、21世紀に入るとほとんど映画を作れていません。カーペンターのように真摯に映画を向き合い、自分の頭でちゃんと考えて撮る映画監督が生きにくい時代なのでしょう。

ジョン・カーペンターをハリウッドから排斥した連中、彼らこそゼイリブのTHEYなのだと思います。



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