聳え立つ地平線

ありえないものを発見すること、それを写し撮ること、そしてきちんと見せること。

アクション

『レディ・プレイヤー1』に感じた不満(サマンサの顔の痣)

スティーブン・スピルバーグの新作『レディ・プレイヤー1』。
昨日は興奮して絶賛記事を書きましたが(→こちら)今日は不満に思ったことをひとつ。


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主人公ウェイドと恋に落ちるサマンサの顔の痣なんですよね。いや、痣があること自体がいけないのではないし、美しい顔が台無しだとかそういうことでもありません。

ジャッキー・チェンの確か『香港国際警察/NEW POLICE STORY』だったと思うんですが、顔に傷ができた恋人に「そんなのたいしたことない」とジャッキーが言ってめでたく結婚します。

私は正直な話、ウッソーーーー! と思いました。

『レディ・プレイヤー1』でも、顔に痣があることを気に病むサマンサに対し、ウェイドは「そんなことぐらい」とまったく気にしない感じで、ラストでキスしまくる場面でもまったく意に介していない。

私はここが不満なのです。

昨日の激賞文では、「昔から語り継がれてきた『友情』『愛情』を大事にする」という通俗的なテーマが大変いいと書きました。この「人は見た目じゃない」というのもそれに属するものかもしれません。

しかし。

街中でたまに顔に傷痕ややけどの痕のある人を見かけますよね。そのときハッとして目をそらしませんか? 「見てはいけないものを見てしまった」という感じで。

傷のある顔、特に女性の顔は見るだけでものすごい罪悪感に駆られるんですよね。おそらく見られたほう、というか、目をそらされたほうも傷ついている。見知らぬ者同士でも多大なストレスに見舞われるのに、それが恋人同士とか夫婦とかだと毎日顔を合わせるわけだから相当なものでしょう。少なくとも私はその罪悪感に耐えられる自信がない。

確かに人は見た目じゃないけれど、この映画ではそこについて深く考えた形跡が少しもない。

愛する人の顔の傷や痣に耐えられるか否か。というのは、それだけで1本の映画や小説のテーマになりうる深いものを孕んでいると思う。それを「人は見た目じゃない」という一言で片付けてしまうのはいかがなものか。

考えた末に「人は見た目じゃない」となるなら、ぜんぜんいいんですけど。



『レディ・プレイヤー1』(青臭い「昭和映画」の傑作!)

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スピルバーグの新作『レディ・プレイヤー1』を見てきました。直近に見に行ったのが『ペンタゴン・ペーパーズ』なので、同じ監督の新作を続けて見に行ったことになります。どちらかが名画座の旧作とかじゃなくて、どちらも封切。映画を見始めて30年近くたちますが、たぶん生まれて初めてです。

さて、『レディ・プレイヤー1』は、かな~り面白かったですね。『ペンタゴン・ペーパーズ』では落とし穴にはまってしまったスピルバーグも水を得た魚のようにみずみずしい映画を作ってくれました。(『ペンタゴン・ペーパーズ』の私の感想はこちら→「正義は目を曇らせる」

のっけから度肝を抜かれました。できるだけ事前情報を入れないように予告編も目をつむってましたから。ただ、ツイッターで「オタク礼賛映画」とか「ガンダムが出てくる」などの情報を見てしまった。

とはいえ、これはオタク礼賛映画じゃないですよね。最終的にオアシスを受け継いだ主人公が火曜と木曜はオアシスを休みにして恋人との情事に耽るわけですから。「オタクたちよ、現実を取り戻せ!」という強烈なメッセージは逆にオタク批判なのでは? 批判というよりは激励かな。

それはともかく、この『レディ・プレイヤー1』は「スピルバーグにしか作れない映画」だと思いますね。
そう思う理由は3つで、「演出力」と「70を越えた爺さん」で同時に「永遠の子ども」であることでしょうか。

まず演出力。

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そりゃのっけからこんな映像を見せられるのはスピルバーグだけでしょう。史上最高の映画作家かどうかはわかりませんが、その一人であることは間違いありません。

次に「70を越えた爺さん」ですが、この映画、2045年が舞台で、ヴァーチャルゲームにうつつをぬかしてばかりいる若者を主人公にしたSF映画のくせして、めちゃくちゃ「古いタイプの映画」ですよね。いや、「古い」というのはほめ言葉なんですよ。

以前、こんな日記を書きました。町山智浩と白井佳夫への反論(三幕構成と起承転結)

『HANA-BI』を見て「起承転結に則った映画はもう古い」と断じた白井佳夫と、『ダンケルク』について「従来の三幕構成は今後廃れるのではないか」と言った町山智浩はどちらも間違っているのではないかというものですが、スピルバーグは古典的三幕構成で新しい映画を作っちゃいましたね。

憶えているかぎりでこの映画の簡単な構成を書くと、

2045年の世界とオアシスの説明(15分、状況設定)
主人公ウェイドが最初の鍵をゲット(30分、プロットポイントⅠ)
サマンサ(アルテミス)との出逢い(60分、ミッドポイント)
ウェイドの演説によって百万の味方を得、IOIとの全面戦争に突入!(95分、プロットポイントⅡ)
ウェイドがオアシスを継承、サマンサとキス(130分、結末)

どうです。見事までの三幕構成。古典的ハリウッド映画の作法を自家薬籠中のものにしてきたスピルバーグならではの構成ですね。この構成にするためにカットしたシーンやショットも多いのではないでしょうか。

それから、「古い」といえば、この映画ではいろんな昔の映画のタイトルが出てきます。

『シャイニング』
『ブレックファスト・クラブ』
『フェリスはある朝、突然に』
『サタデー・ナイト・フィーバー』
『ザ・フライ』
『アイアン・ジャイアント』

そして映画じゃないけど我らが『機動戦士ガンダム』!!

『アイアン・ジャイアント』以外はすべて80年代の作品ばかり。たぶん、スピルバーグとしては自分が少年だった頃の50~60年代の映画を使いたかったんじゃないかと推察しますが、「自分の映画で育った人たちには80年代の映画こそふさわしい」という判断だったのでしょう。
そして大事なのは、これらの映画を見たことなくてもタイトルを知らなくても物語の理解の妨げにならないこと。当たり前だけどとっても大事。

さて、80年代といえば日本では昭和。ガンダムも79年から80年にかけてだし。しかし、いままで「どのモビルスーツが好きか」という話を幾人としたかわかりませんが、みんなジオン軍のモビルスーツを挙げるのに、なぜ劇中の日本人は「ガンダム」なんでしょう? 地球連邦軍のモビルスーツが好きという人間には会ったことないんですけど。(ちなみに私のお気に入りは「シャア専用ザク」と「ゲルググ」です)

それはさておき、オアシスの創始者ハリデーが好きな女性とデートするもキスして次のステップに踏み出せなかったことがゲームを解く鍵になっていますが、サイモン・ペッグ演じる親友との訣別にはもっと後悔していた、というラストはよかったですね。「あなたこそ『バラのつぼみ』だった」というセリフもいい。

結局この映画は、友だちを大切にする、人を好きになる、それが大事という太古の昔から人間が語ってきたことを繰り返しているだけ。主人公ウェイドの「言葉にすると寒いと言われそうだけど、生きがい、友だち、愛」というセリフ。本当に寒いというか青臭いですよね。

でも青臭いからいいんですよ。70を越えてもいまだ子どもの心をもったスピルバーグだからこそこういうことを臆面もなく言える。結局、世界を変えるのはいつだって青臭いこと言ってる奴ですから。ホリエモンみたいな「金さえあれば何でも買える」なんて言う奴は大嫌い。この映画の悪役はまさにホリエモンみたいな奴でしたよね。

逆に、古臭い価値観が好きになれないという人もいるかもしれませんが、私は古いタイプの人間なのでこういうのは大好き。別に価値観とかそんなのは古風でいい。意匠が新しければそれでいい。



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どうです。この深みのある画面。同じヤヌス・カミンスキーでも『ペンタゴン・ペーパーズ』とはぜんぜん違う。

もちろん、いつもブイブイうるさい私のことだからこの映画にも不満はあります。でも、それはまた今度。(笑)

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『フレンチ・コネクション』(スマートな自己言及映画)

泣く子も黙る名作中の名作『フレンチ・コネクション』。

私はユング心理学を援用した比較神話学で脚本の書き方を学んだ人間なので、映画を見るときもそういう観点から見ることがあるのですが、この『フレンチ・コネクション』はその意味でも類まれな面白さをもった映画といえると思います。

ユング心理学そのものを学んだわけじゃないので頓珍漢なことを言っているかもしれませんけど、平たく言うと、「身体」「心理」「感情」、そしてもうひとつ「霊」というところから人間を考えるそうですが、私は「霊」に関してはそういう映画じゃないかぎりは無視しています。

「身体の物語」
「心理の物語」
「感情の物語」

この3つの側面からこの映画を眺めてみると・・・

①身体の物語
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何といってもこの映画はこのカーチェイスのシーンが有名です。麻薬密輸グループを逮捕しようと躍起になる主人公ジーン・ハックマンが相棒のロイ・シャイダーと協力して組織の頭目フェルナンド・レイを逮捕しようと奮闘するのが物語のあらましです。

カーチェイス以外にも、中盤に素晴らしい尾行のシーンがあったり、この映画は身体の物語、つまり「アクション映画」として出色の出来栄えです。



②心理の物語
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問題解決のための謎を解くのが「心理の物語」だそうで、俗っぽい言葉で言うと「サスペンス」とか「ミステリ」ということになります。
この映画では、密輸グループが車をやり取りしていることを突き止めたジーン・ハックマンがいったい車のどこに麻薬を隠しているのか、それを突き止めるのが「心理の物語」です。



③感情の物語
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だいたい映画における感情はほとんどが恋愛として描かれますが、同性同士の友情物語の場合もあります。
この映画における「感情の物語」はちょっと特殊で、ソニー・グロッソという役者が演じる財務省の役人とジーン・ハックマンとの確執がそれに当たります。ソニー・グロッソはかつて懇意だった刑事がジーン・ハックマンのせいで死に追いやられたと恨んでおり、二人は何かにつけて諍いを起こします。


④逆転!
この映画は、ジーン・ハックマンとロイ・シャイダーが自分たちで見つけたヤマを解決できるか否か、つまりフェルナンド・レイを逮捕できるかどうかの物語であり、そのために尾行やカーチェイスを経てラストの銃撃戦に至ります。

「心理の物語」はすでに解決されています。「感情の物語」は最初からほとんど味付け程度の意味しかもっていません。だから「身体の物語」にさえケリをつけてしまえばいい。

が、ここで驚くべきことが起こります。

ジーン・ハックマンが「フェルナンド・レイがいた!」とばかりに発砲したら、命中はしたもののその男は何とソニー・グロッソであり、即死していました。それに気づいたロイ・シャイダーは意気消沈してしまいます。でもジーン・ハックマンは少しも驚くことも慌てることもなくフェルナンド・レイを追い求めるところで物語は幕を閉じます。

フェルナンド・レイを射殺していれば「身体の物語」に首尾よく終止符を打てました。それがこの映画の眼目だったはずです。なのに、フェルナンド・レイは逃げ延びてしまうため「身体の物語」は終わりません。(だから「身体の物語」に終止符を打つべく続編が作られます)

しかし、なぜでしょうか?



⑤自己言及
フェルナンド・レイを射殺してしまえばすべて丸く収まったはずですが、しかしそれだと「目的のためには手段を選ばない刑事」に対する批判的な目がなくなってしまいます。

同年に作られた『ダーティハリー』も目的のためには手段を選ばない刑事を描いていましたが、『フレンチ・コネクション』の作者たちは、当時流行り出したそういう刑事ものへのアンチテーゼを打ち出した、というのが私の見立てです。おそらく無意識に。

「身体の物語」に終止符が打たれるはずが、アッと驚く逆転によって、味付け程度だったはずの「感情の物語」が一気に前面に出てきます。
はたして、ジーン・ハックマンは本当にソニー・グロッソとフェルナンド・レイを間違えたのか、それともソニー・グロッソだと確信してどさくさまぎれにわざと撃ち殺したのか。

真相は誰にもわかりません。しかし、それまでのジーン・ハックマンの言動から察するに「わざと」の可能性は大いにあります。ロイ・シャイダーの疑惑の目にも注目したい。(この疑惑の目も「感情の物語」ですね。一枚岩だった二人に初めて感情的な亀裂が入る)

この逆転は、「身体の物語=アクション映画」を楽しみに来た観客に対してほとんど喧嘩を売っているとさえ思えます。最後の最後で「この映画はアクション映画ではなかったんですよ~」と言っているんですから。

凶悪犯が急増した70年代初頭、「はたして目的のためには手段を選ばない刑事」は許される存在なのか、とこの映画は観客に問うてきます。おそらく、ソニー・グロッソが懇意だった刑事はジーン・ハックマンの「俺は法の執行者なのだ」という傲慢で身勝手な性格のせいで死んだのでしょう。

そして、ラストシーンに至って、ジーン・ハックマンはそれを責めたてるソニー・グロッソをももしかしたらわざと殺したかもしれない。いったい何が正義なのか。正義を標榜しすぎるから悪がより凶悪になるんじゃないのかというメッセージも読み取れます。

だから、この『フレンチ・コネクション』は「刑事映画を批評する刑事映画」なのです。ヌーヴェルヴァーグのように直截的なやり方ではなく、もっとスマートなやり方で作られた「自己言及映画」と言えるでしょう。


⑥伏線
最後に、ラストの疑惑の一発の銃弾には伏線がありますよね?


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フェルナンド・レイの手下に狙撃されそうになったジーン・ハックマンが彼を執念深く追いつめて射殺するシーン。あの有名なカーチェイスの直後です。

このエピソードは、ジーン・ハックマンと狙撃犯との「身体の物語」です。撃たれそうになった者が、逆に撃ち殺してこのエピソードは終わります。

が、このエピソードには「心理の物語」もあります。それは、列車に乗った狙撃犯をどうやって追うか、というサスペンスです。ジーン・ハックマンは迷うことなく一般市民の車を強奪して狙撃犯を追います。

「心理の物語」としての解決にはなっていますが、この「一般市民から車を強奪する」という主人公の行動=キャラクターが、映画全体の「感情の物語」を読み解くカギになっているところも素晴らしい。


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アーネスト・タイディマンの脚本、しびれます。

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『奥様は、取り扱い注意』を見終えて

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毎週水曜日を楽しみにしていたのも昨日で終わりました。

単に綾瀬はるかが目当てで見始めたから、数回ももたずに見るのやめるんじゃないかと思ってましたが、最初に完走を確信する作品になるとは驚きでした。

ただ、最終回がねぇ・・・


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西島秀俊は最初から何となくキナ臭かったし、途中、警察に知り合いがいるという挿話があったので、おそらく公安の人間だろうとは思ってましたから夫婦でアクションを演じるのは予想通り。というか、そうでなくてはならない。

途中から「悪役のための悪役」として登場した玉山鉄二は、最初は「何でこんな役出すの?」と不可解でしたし、「つまんねえな。何か面白いことないかな」というセリフも、あの石原裕次郎の隠れた佳作『何か面白いことないか』の二番煎じみたいでちょっと鼻白んでしまいました。





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ところが、昨日の最終回では、玉山鉄二が綾瀬はるかに「あんたは結局こっち側の人間だ」と語りかけ、最終的にその言葉が証明されます。

なるほど、そのための役だったのか、と、綾瀬はるかがワンカットの見事なアクション(最後のほうはちょっと乱れて映像と効果音がずれてましたが)を見せたあとに「気持ちいい~~~!」と叫ぶ場面で合点がいき、物議を醸しているというラストシーンでも、「なるほど、そう来たか」と、連続11回を見てきてよかった、と思いました。

ラストシーンが物議を醸しているといっても、それは暗転したあとに銃声が鳴るから、綾瀬はるかが殺されたのか、それとも殺すふりをして二人で逃げたか、結局どうなったかわからない、スペシャル版と劇場版があるらしいが、それで明らかになるなんて本当の最終回じゃない! ということなのでしょう?

実際、私は金城一紀脚本作品はこれが初体験なので知りませんでしたが、金城さんのドラマはほとんどこういう終わり方をして次につなげる手法が多いらしいので。

しかしながら、私がこの最終回に疑問をもつのはそういうことではありません。ラストシーンのあとどうなるかわからないなどというのは、すべての物語に付き纏うものです。「物語は永遠に続かなくてはいけない」のが鉄則です。

私が疑問なのは、確かに第1話で、「主婦になって半年で主婦業に飽きてしまった」という綾瀬はるかの言葉がちゃんと伏線として機能しているから、あの「気持ちいい~~~!」は決して唐突なものではないわけですが、やはりそれでも、私たち視聴者に対してではなく、作中人物に対して失礼なセリフではないかと思うのです。

その作中人物とは、当然この人たち。





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広末も本田翼も、もう完全に綾瀬はるかがカタギの人間ではないことを知ってしまいました。暴力をふるうことに快感を覚える人間だということも、少なくとも本田翼は知ってしまった。

それでも、これまで困った人を助けていた言動すべてが「スリルを求めるためだった」ということを彼女たちが知ってしまったら、深く失望すると思うんですよね。

まさかそれを劇場版でやるということ?

さすがにそれはダメですね。結末より後のことは観客に委ねていいけど、それまでの問題はラストシーンまでに解決してしまわないと。




『アトミック・ブロンド』(肉体労働としての映画)

シャーリーズ・セロン主演の『アトミック・ブロンド』が素晴らしかったです。以下ネタバレあります)


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ベルリンの壁崩壊前夜。MI6のスパイ、シャーリーズ・セロンが、極秘リストの奪還と二重スパイを見つけ出して始末する命を受けてベルリンに降り立つところから物語は始まります。

ロンドンが舞台だとデビッド・ボウイやクラッシュがかかって、ベルリンに移るとニーナがかかったりする選曲が微笑ましいんですが、それはともかく、この映画では、シャーリーズ・セロンが敵の二重スパイを上回る三重スパイだった(実はCIAのスパイ)というオチが素晴らしく、結局、冷戦が終わって得をしたのはアメリカだけだった、というその後しばらく続くアメリカ一強時代が「パクス・アメリカーナ」だったと言いたいのか、それともその逆なのかは定かではありませんが、最後の最後まで面白く見せてくれるこの脚本は秀逸だと思いました。


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しかし、この『アトミック・ブロンド』で本当にスゴイのはドラマの内容ではなく、アクション・シークエンスなんですよね。

特に、画像のシーン。あるマンションで始まるアクションは、フロアでの激戦が終わると階段を下りながら下のフロアで激戦をし、さらに下のフロアまで戦闘が続くんですが、およそ1フロア1カットなんですね。

特に最後のカットが凄まじい!
ちょっとカメラを動かしすぎじゃないかというきらいもありますが、それでも、縦横無尽に動き回るシャーリーズ・セロンと敵の男たちの動きをきっちりワンカットに収めきってます。あれは役者もしんどいでしょうがスタッフもしんどい。監督はじめ演出部は芝居を見ないといけないし、撮影部はフォーカスを合わせるのが大変だろうし、よけいなものが写ってないかの確認も大変。録音部はマイクマンが大変でしょう。それとも、ああいう場面ではワイヤレスを使うんですかね?

かつて黒沢清監督がこんなことを言っていました。

「映画はまぎれもない肉体労働です。僕はスタッフと俳優の肉体労働の結果をフィルムに刻みたいと思っています」

と、なぜ長回しが多いかという理由でした。

この『アトミック・ブロンド』も「肉体労働としての映画」を画面に刻みつけてますよね。そこが素晴らしい。

また、「痛みを感じるアクション」という意味でも素晴らしい。
同じスパイ映画でもジェームズ・ボンドなんかはもっとスマートに殺したりするじゃないですか。

でも、この映画のシャーリーズ・セロンは絶叫しながら狂ったように殴ったり蹴ったりするんですよね。この女が活きるか死ぬかの瀬戸際で生きていることがジンジン伝わってきます。それに、人を殴るのも殴られるのも痛いんだということがよくわかるように撮られている。ゲーム感覚で人を殺すような映画が横行している現代においてこういうリアルなアクション映画はとても貴重ではないでしょうか。

「映画を見た」という斬られたような感覚。ごっつぁんです!




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