スクリーン

2019年07月17日

御年83歳のロバート・レッドフォードの俳優引退作『さらば愛しきアウトロー』。これが久々に色気たっぷりで艶のある映画でした。(以下ネタバレあります。ご注意を)


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拳銃を見せない演出
10代の頃から強盗に手を染め、脱獄と強盗を繰り返した実在の人物を描いているんですが、この男は「銀行強盗」と聞いてすぐイメージされる粗野な感じとは真逆で、窓口の人間に拳銃をチラリと見せるだけで大金をかっぱらっていたとか。共通する証言は「とても紳士的」「いい人にしか見えなかった」。最後のほうで明らかにされる証言は「彼は一度も拳銃を撃ったことがない」。

だからなのか、ロマンチックな邦題とはぜんぜん違う“The Old Man And The Gun”という原題なわけですが、この重要なモチーフである拳銃をこの映画はまったくと言っていいほど見せません。

確かに、窓口でレッドフォードが拳銃を見せているんだろうな、と思わせるカットはあります。窓口係が明らかに動揺してすぐ金を用意しますからね。でも拳銃そのものは見せない。

では、いつ拳銃を見せるのか。


シシー・スペイセクの動揺シーンのみ
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逃げる途中にたまたま知り合った未亡人シシー・スペイセクと恋仲になるんですが、そのスペイセクがレッドフォードの車のグローブボックスをふと開けたときに拳銃が入っていて動揺するシーンで初めて拳銃が観客にも見せられます。

この直後、家に帰ったスペイセクがお湯を沸かそうとやかんに水を入れるんですが、そのとき「あぁ、銀行強盗と言ってたのはほんとだったのね」という感じで一点を見つめてぼんやりします。で、水があふれて慌てて蛇口を止める。

最近の普通の映画なら、水があふれる手元をアップで見せることが多いじゃないですか。でもこの映画の監督デビッド・ロウリーはそうしない。

「映画とはまず見せ、そのうえで語るものである」とは、かのアレクサンダー・マッケンドリックの名言ですが、その前段階である「何を見せて何を見せないか」という問題に非常に意識的だと思います。(とはいえ別にこれは新しいわけでも何でもない。古典的ハリウッド映画はすべてこういう作法で作られていました)

では、なぜ強盗のシーンで拳銃を見せないのか。


「ラクな人生より楽しい人生」
とは、「君なら強盗なんかしなくてももっとラクな人生が送れるだろう」と言われたときの主人公の返答です。

彼は大金を得てラクな人生を送るのが目的ではなく、強盗そのものが楽しくてやっている。

だから彼は拳銃を撃たない。撃つことで誰かが傷つくのは本意じゃない。それじゃ少しも楽しくない。盗む俺も盗まれた銀行もいい思い出しか残らない。そんな思いで強盗を重ねていたのでしょう。

窓口係に拳銃をチラ見せするのもあまり本意ではなかったのでしょう。でも見せないかぎりは盗めないからしょうがなく、ということだったのでしょうね。

ただ、映画は拳銃を見せない。拳銃などという物騒なものは楽しい人生がモットーの主人公のこの映画にはふさわしくないという適切な判断。

そして唯一見せるのは、心を許せる異性が拳銃を見て動揺するときだけ。楽しくあってはいけない場面だけ観客にも見せる。こういうのを「映像演出」というのだと思います。


脱獄ハイライト
捕まったレッドフォードを訪ねたスペイセクに、彼は「いままで幾度も脱獄してきた。今回もするつもりだ」みたいなことを言います。

そのとき、10代から直近までの脱獄ハイライトになるんですが、最終盤であのような見せ方をすることに最初はちょっと戸惑いました。

でも、スペイセクの「最後までここにいれば?」というたった一言でレッドフォードは脱獄しなかったことが明らかになり、のけぞりました。すごい作劇。こういうオチにするためのハイライトだったのか、と。

ただ、最後のオチはまだあって、レッドフォードにすれば恋仲のスペイセクの言葉が脱獄しなかった一番大きな理由なんでしょう。脱獄すれば逃げ続けなければいけない。それより満期出所したあとのスペイセクとの生活を楽しもう。どこまでも楽しい人生を追い続ける主人公に見ているこちらも心が浮き立つばかり。

なのに、最後に自分を追っていたケイシー・アフレック刑事に電話していると目の前に銀行。そしてまたやってしまった、というオチにはさらに心が浮き立ちましたね! しかもさらに4回も!!!

好きな女は大事。でも……という男のロマン。

こんな映画が引退作だなんてめちゃくちゃ素敵じゃないですか。
役者がみんなよかった。レッドフォード、スペイセクは言うに及ばず、ダニー・グローバーもトム・ウェイツも。みんな年寄りなのに色気がある。ケイシー・アフレックは相変わらず好きになれませんでしたが。

音楽もよかったですね。ジャズで押し通すのかと思ったら後半は突然キンクスがかかったり、選曲が見事でした。


さらば愛しきアウトロー
ダニエル・ハート
Rambling RECORDS
2019-06-26





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2019年07月07日

大絶賛御礼の映画『新聞記者』を見てきました。非常にタイムリーな映画と聞いていたのでずいぶん期待していたのですが、これがトンデモ映画のお手本のような作品でした。

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外務省から内閣情報室に出向している杉原(松坂桃李)が元上司・神崎(高橋和也)の自殺をきっかけに政権の闇を暴くべく、機密資料を新聞記者の吉岡エリカ(シム・ウンギョン)にリークする。

というのが全体のあらまし。

このあらまし自体がよくないとは思いません。が、それをどうプロットとして組んでいくか、はたまた、「機密資料」とは何なのか、といったことがあまりにあんまりなので白けてしまいました。


勧善懲悪でいいのか
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主人公が勤める内閣情報室。こんなに薄暗いって変でしょ? 「ここは悪の巣窟です」という印象操作(誰かさんのお得意の言葉ですね)にしか感じられない。

この映画では、政権側は全員悪人で、それを暴こうとする主要人物がすべて善人という設定になっていて、善が悪を懲らしめる内容になっていますが、それって都合の悪い人間を情報操作で社会的に抹殺する官邸と何が違うというのでしょうか? 

しかも、極秘資料というのが「大学の名を借りた生物兵器の研究所」というトンデモ設定。

そこまでして官邸を「悪」の設定にするのは、単にこの映画の原作者や彼女に共鳴するリベラル派の人たちが、映画の中だけでも政権に煮え湯を飲ませて溜飲を下げようという歪んだ欲望としか思えない。反政権を唱える人物を反日分子だと決めつけ攻撃するネトウヨと何が違うというのでしょう。

以前、私が書いたシナリオを読んだ高名な脚本家がこんなことを言いました。

「君は『善と悪』の対立で葛藤を作ろうとしている。それじゃダメなんだ。悪の側が作為的な悪になってしまうし、そもそもの問題として『善と善』の対立にしなきゃいけない。どちらの言い分にも理がある。そうしないと深みのあるドラマは生まれない」

この『新聞記者』はトンデモ設定を根幹に据えたためにドラマ全体がものすごく安っぽいものになってしまっています。


国民が出てこない
この映画では、政権のスキャンダルを暴きたてて倒せば問題がすべて解決する、みたいになっていますが、本当にそうでしょうか?

前川喜平さんや伊藤詩織さん、加計学園の問題、公文書改竄など映画と同じいろんなスキャンダルが現実に起こりましたが、内閣支持率はいっこうに下がりません。支持し続ける国民が多数いるのです。

国民の支持というのが「政権側の理」ですよね。だから、主役の新聞記者は政権のトンデモな悪を暴くのではなく、政権を支持する国民と対立させないといけなかったんじゃないでしょうか。

れいわ新選組の山本太郎の動画を見ていると「この国で一番偉いのはあなたたち国民ですよ」といつも言っています。でもこの『新聞記者』ではそういう言葉や思想は皆無でした。聞こえてくるのは、ただ「あいつらをやっつけたい!」という声だけ。

そういえば政治家も出てきませんよね。官僚ばかりで。政治映画なのになぜ?


松坂桃李の動機は?
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松坂桃李が自分の社会的生命を賭けてリークする動機もよくわかりませんでした。直前に子どもが生まれますが、流れとしては「この子のためにもこの国をまともにしなきゃいけない」という思いを感じました。そして「向こうが誤報だと主張したら僕の実名を出してもらって結構です」とまで言う。なのに記事が出たあと上司の田中哲司から出産祝いを渡され「外務省に戻りたいならいまもってる情報は全部忘れるんだ」と言われて目が泳ぐ。

あれは結局、子どもが枷になってシム・ウンギョンを裏切るということを暗示しているんでしょうか? だとしたらそれまでの流れは何だったの? というか、子どもを人質に取られることぐらい簡単に想像がついただろうに。

逆に、もし最後の表情がシム・ウンギョンと最後まで共闘するという決意だったのなら、なぜ田中哲司から「この記事は君じゃないよな?」と言われたとき「私です」とはっきり答えなかったのか。「外務省に戻りたくないのか」と訊かれたとき「結構です」となぜ答えなかったのか。それ以前に、資料をリークした時点で辞表を出すんじゃないですか、普通は。クビや左遷は覚悟の上なら自分から辞表を叩きつけてくれたほうが見ているこちらは喝采を贈ったんですが。


羊の絵
物語を推進する役目を担った羊の絵はよかったですね。映画なんだからやはり「画」で勝負してほしい。

とはいえ、あの絵が子どものために描いた絵じゃなかったらシム・ウンギョンは神崎の家に入れてもらえなかったわけでしょう? ちょっとご都合主義な感じがしました。それにもとの羊の絵と違う点があって、サングラスをかけてるみたいに目だけ黒く塗りつぶされてましたが、あれはどういう意味があるんでしょうか? 国民は盲目だという意味? それならそれを匂わすセリフを生前の神崎に言わせておかないと観客に伝わらない。

というわけで、今年のワースト候補がついに登場。といった感じですね。ベストワン候補がまだ登場していないのに。。。


補遺
「善と善」の対立がわからないという方はこちらの記事を参照してください。⇒『トイ・ストーリー3』(「善と善」の対立とはこれだ!)






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2019年06月13日

このところ、『さよならくちびる』『アナと世界の終わり』など音楽映画・ミュージカル映画と縁が深く、どちらも大いに楽しみましたが、またも音楽映画の傑作と出逢いました。

ブレット・ヘイリー監督『ハーツ・ビート・ラウド たびだちのうた』


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さりげない描写
父と娘の「バンドではないバンド活動」を描くこの映画は、何より「さりげない描写」がいいと思いました。

・人種
亡妻は黒人。だから娘は白人と黒人の混血。でもそのことに少しも触れない。映画なんだから見ればこういう家族とわかるだろう、ということでしょう。

・娘の同性愛
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娘は学校のある女の子と同性愛の関係にあるんですが、そのことにも声高に触れない。父親に「彼女がいる」と告白してもショックを受けるでも怒るでもなく、「そうか」という素っ気ないリアクション。あの素っ気なさが素敵。

・省略
最後の省略が顕著ですかね。
バンドを組んで動画が人気になったりもするけれど、さらなるバンド活動に乗り気の父親に対し娘はあくまでも医者志望。でも最後の店でのライブを経て「私が残りたいと言ったら?」という娘を父親はただ厳しく見返すだけで、次のシーンには遠くへ引っ越した娘とメッセージのやり取りをしている。「残っちゃだめだ」「どうして⁉」とか何だかんだの愁嘆場みたいなのをやってもいいでしょう。むしろ、大事なところを逃げていると偉い脚本家の先生は怒るかもしれません。でも私はあれでいいと思う。この映画はあくまで歌が主役。人間同士のセリフのやり取りなど邪魔になるだけ。そんなのは省略してすぐ次の歌に移ったほうがいい。


『ナタリーの朝』とは似て非なる
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かつて『ナタリーの朝』という映画がありました。家を飛び出したナタリーという少女が、一人暮らしを始め、そこで出逢った階下に住む男性と恋に落ち……という物語。

『ナタリーの朝』の要諦は、恋愛関係、つまり心理的に水平関係にある二人を、階上と階下に住むという物理的に上下関係に置いたことにあります。こうすることで映画内世界が立体的になっていました。

『ハーツ・ビート・ラウド』ではどうだったか。『ナタリーの朝』のような物理的な上下・水平関係というのはありません。(やはり『ナタリーの朝』はひとつの発明をした一大傑作だったのか)

その代わり、二人はバンドメンバーとしては対等だから心理的に水平関係ですが、親子なので同時に上下関係でもありますよね。ただ、ここで肝要なのは、普通なら上であるはずの父親のほうがほとんど下に位置していることです。娘のほうがしっかりしていて、父親は子どもみたい。いつまでも亡妻のことが忘れられず過去に囚われている父親に対し、娘は未来を見据えている。

かと思えば、最後のライブでろくに練習してない歌をやろうと父親が言い出すと、まだ若く失敗を恐れる娘は物怖じする。「思い切って行くぞ」と娘の尻を叩く父親は、ここでは完全に上です。前述の「残りたいと言ったら?」というときも上から諭したのだろうし、この親子は、どちらが上かはっきりしない、流動的関係にあります。そこが面白い。

『once ダブリンの街角で』なんかは、主役の男女が恋仲になるからか(恋仲といっても単純じゃないんですが)ずっと水平関係に位置していたように思います。(←うろ憶え)

『ハーツ・ビート・ラウド』は主役の二人を常に上下関係として捉えるんですが、どちらが上位かはその都度変わる。娘は思春期だから揺れ動くのはわかりますが、父親をも揺れ動く子どものようなキャラクターに設定して描写しきった脚本チームの勝利でしょう。役者さんもよかった。芝居もいいけど、面構えがいいし、あのひげが何とも言えない味わい。

素晴らしい映画でした。(それにしてもテッド・ダンソン、歳食いましたね)


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